Desde el arte, Montelpare genera preguntas en la Patagonia

Juan Montelpare, un artista valchetense, recorrió varios países pero siempre retorna a su ciudad natal. Nos contó acerca del perfomance con vientos patagónicos.

Por Fernando Manrique
fmanrique@noticiasnet.net

Cuando pensamos en arte puede suceder que nuestras primeras imágenes mentales nos remitan a una pintura, un monumento o una representación teatral. Generalmente no se nos viene a la cabeza la idea de intervenciones en espacios públicos: el perfomance.
Es que en el mundo existen muy pocos artistas que se dedican al mundo del perfomance y menos aún en nuestra región. Juan Montelpare, un valchetense que incursiona en esta disciplina desde joven, se refirió a su trabajo y nos invitó a explorar un poco más sobre el arte contemporáneo en nuestra zona.
En su página Web, donde se recopilan numerosos registros de intervenciones artísticas, Juan se acercó a una declaración de artista y expuso: “En mi trabajo busco volver a mirar desde el asombro, acercarme al niño que fui, a la capacidad de ir descubriendo, encontrando, creando hechos, metáforas de nosotros mismos mediante los más simples elementos o situaciones”.
“Constantemente vuelvo a mí, al paisaje frente a la casa de niño, a la luz atravesando la ventana que ilumina diferente y revela cosas. Observando la inmensidad del gesto, la lluvia y las partículas, el viento, cada cosa convertida en un universo”.
En esos universos que se pueden crear desde el arte, Juan ha convertido hechos creativos con elementos simples de la vida misma, tales como flores, piedras, hormigas con pequeños granos de azúcar u hojas de un libro viejo. También el arte aparece con todo su esplendor en intervenciones en espacios públicos que van desde un abrazo al mar de Caraíva en Brasil, diálogos con el viento en Valcheta y hasta caricias a edificios de Quito para sacarles el esmog.

Entre Quito, El Salvador y Valcheta

                       Quitándole el esmog a edificios de Quito. (Foto: Yamine Elrhorba)

A través del perfomance, Juan recorrió varios puntos del continente pero siempre vuelve a su querido Valcheta, el oasis de la Línea Sur, o como su nombre lo indica, el arroyo que colma. Actualmente es subsecretario de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Valcheta.
A partir de los 12 años se dedicó al teatro de títeres, una vez terminada la secundaria, estudió Artes Visuales en la Escuela de Arte Alcides Biaggeti de Patagones y luego se vinculó a dibujos con una mirada desde la Patagonia resaltando el cielo de la región, la estepa y los rostros curtidos de los patagónicos.
En medio del contexto de crisis que atravesaba el país en 2001, Juan se abocó a realizar pinturas con telas y textos bíblicos, donde reflexionaba sobre lo efímero de la niñez. Ya en 2004 obtuvo una beca para viajar a Cuba y en la tierra caribeña se ligó al perfomance.
Dos años más tarde, desarrolló un trabajo performático-instalativo en el barrio Lavalle de Viedma llamado “Muchachitos”, donde reflejó la violencia en la niñez a través de juguetes rotos. En 2008 trabajó en Ecuador con un colectivo denominado “La bicicleta” y, entre otras acciones, junto con 40 artistas llevó a cabo intervenciones durante diez días a lo largo y a lo ancho de la provincia de Pichincha.
Tiempo después pasó por Brasil, Perú, Chile y volvió a Ecuador, donde conoció a su esposa salvadoreña, Cristina Amaya. Juan le indicó a Noticias: “Fuimos a Centroámerica, estuvimos un tiempo haciendo algo de trabajo en un festival en El Salvador y después de El Salvador la idea era buscar qué lugar íbamos a elegir para vivir y en ese marco teníamos para vivir la posibilidad de Quito, El Salvador o Valcheta”.
Agregó: “Lo que queríamos era un lugar tranquilo y era el lugar donde menos posibilidades económicas y laborales teníamos porque ya hacía muchos años que vivía afuera, mi compañera tampoco conocía y decidimos venirnos. Volver al pueblo fue volver no solamente a la casa donde me crié, sino también reencontrarme con el paisaje, con una estética, con un silencio, con un montón de cosas que habían estado latentes o insinuándose en mi trabajo y que al volver a redescubrir mi paisaje empecé a ver todo un desarrollo artístico en solitario”.

El arte como apuesta política
Consultado sobre cómo es hacer arte contemporáneo en Valcheta, Juan señaló: “Para hacer arte en general la mayoría de las veces nos dicen que tenemos que estar en los grandes centros urbanos, tenés que irte a Buenos Aires, París o Nueva York, a los centros no solamente de arte sino de poder. Es una decisión más política la de hacer arte acá”.
En ese marco, apuntó: “Es una apuesta sobre todo política porque es decidir un lugar donde querés vivir y también hoy tengo la posibilidad de pensar al pueblo y generar modificaciones a partir de mi laburo”.

Del mingitorio a los jabones hechos con grasa

Mingitorio que cambió la historia del arte desde hace un siglo atrás

En 1917, el artista francés Marcel Duchamp revolucionó el mundo del arte cuando instaló en un museo un mingitorio industrial y demostró que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original y lo situara en una galería de arte y la declarara como una obra artística. La famosa “Fuente” fue considerada un hito en el mundo del arte del siglo XX.
Desde esa fecha a hoy, han sido múltiples las intervenciones vanguardistas que apelan al arte desde prácticas no convencionales. En 2004, la artista rosarina Nicola Constantino hizo una obra condenada a la polémica: elaboró 100 jabones con un alto porcentaje de grasa de origen humano, que obtuvo luego de haberse sometido a una liposucción.
La mirada de Constantino en “Savon de Corps” era que a través del consumo no compramos la imagen de una modelo, sino el cuerpo de la modelo en sí. Sin embargo, en una nota concedida a La Nación, la docente e investigadora de Arte en la Universidad de Buenos Aires, Graciela Schuster, mencionó que muchos críticos relacionaron la obra de los jabones con el Holocausto del régimen nazi y en realidad no era el mensaje que Constantino quería dar.
Al respecto, le preguntamos a Juan cómo vive el artista esa lucha para que el espectador reciba el mensaje de manera correcta y aclaró que en el arte “más que te decodifiquen un mensaje, es generar una pregunta. Si vos lográs esa pregunta, que el otro se pregunte, y muchas veces lo que haces es el acercamiento de una pregunta, que el otro la intuya, que el otro la viva. Eso te permite irte con más cosas, con una reflexión, quizás con algo más íntimo que vos tenías”.

Juan citó una de sus obras llamada Poesía I que se trataba de una serie de paraguas amarillos transparentes que flotaban en el Riachuelo de La Boca. “Cuando genero esa acción viene un chico joven que se pone a hablar y me dice ‘Mi abuela me contaba que acá ellos lavaban la ropa’ Imaginate, hoy lavar la ropa en el Riachuelo es imposible. Ahora, a él le activó una pregunta, una reflexión, una cuestión histórica con su lugar. Nadie va al Riachuelo porque es feo, pero cuando pasás con un hecho estético volvés a mirarlo y te llevás otras sensaciones y creo que por ahí va lo que busco hoy”.

La osadía hecha arte
Los artistas que se dedican al perfomance habitualmente juegan con el límite de la espectacularización. Algunos se lastiman a sí mismos para transmitir un mensaje en torno a un flagelo social aunque esas acciones pueden violentar el espacio público.
A modo de reflexión, Juan comentó: “Muchas veces nos pasa que hacemos obras muy osadas pero rondan lo espectacular. Ahora, creo que si quisiéramos hacer una obra espectacular y que llegue a mucha gente nos dedicaríamos a otra cosa, no a hacer perfomances. Te ponés una banda de rock and roll o de cumbia y vas a llegar a más gente que haciendo este tipo de obras”.
“Yo creo que hay que tener mucho respeto a la hora de trabajar sobre todo en el espacio público con este tipo de obras, donde el otro no malinterprete y no se sienta violentado. Muchas veces violentamos los lugares que no son nuestros y después nos vamos”, puntualizó.
Retomando la idea inicial de la nota, el arte es importante como un espacio para abrir preguntas, para deconstruir lo aparente. Pero esa deconstrucción no debe hilarse en una acción que violente el espacio común.

Puesta en valor desde la función pública

Diálogos de viento en Valcheta.

Como habíamos mencionado anteriormente, Juan está encargado del área de Cultura y Turismo de Valcheta y desde su área se plantearon dos objetivos claros: reforzar la identidad y la cohesión social.
En esa línea, destacó: “Lo que estamos trabajando es poniendo en valor nuestros patrimonios a nivel simbólico, a nivel de infraestructura, brindando servicios pero también trabajando con los saberes populares que la gente tiene”.
Una de las principales políticas adoptadas fue poner en valor el Bosque Petrificado de Valcheta. Precisamente, en estos momentos se está iniciando la temporada de esa área natural protegida con visitas guiadas.
En uno de los senderos del Bosque, los visitantes se toparán con un músico en el medio del monte, una pareja bailando zamba, canciones de Ángel Brizuela y con relatos de cuentos de terror en la voz del escritor Jorge Castañeda.

Camino con firmeza

Acciones para curar objetos violentos en Quito. (Patricio Estévez).

En la comarca de Viedma y Patagones, si bien el perfomance no está muy instalado, hay un importante semillero de jóvenes teatreros, dibujantes y artistas plásticos. Pero en el proceso se encuentran con frustraciones o con períodos de crisis. En China, bien dice el dicho, crisis también significa oportunidad.
Juan sabe de malas y antes de haberse consolidado en la disciplina pasó por situaciones que lo llevaron a replantearse su elección de vida. En todo esto, recalcó que el apoyo familiar es el motor de esa búsqueda de la felicidad.
Confesó: “Me acuerdo una anécdota con mi padre, cuando terminé el secundario me preguntó: ‘¿Qué vas a hacer?’ y le dije que iba a estudiar Arte ‘¿Seguro?’ Sí. Me dijo: ‘Mirá que es difícil, es un camino duro, no se vive del arte’. Le respondí ‘Seguro’. ‘Está bien, yo te apoyo’ me dice. ‘Porque yo no puedo frustrar la vida de mi hijo, si vos querés ser eso yo no puedo pedirte que vos seas lo que yo quiero, vos sos lo que vos sos’ y me fui a estudiar con todo el apoyo familiar”.
Añadió: “Por ahí, para las familias, cuando pasa el tiempo y empieza a aparecer tu trabajo en un diario o un reportaje en una radio aparecen estas cosas y la primera persona que compra el diario es tu familia. La que más miedo tenía después es la que más orgullosa va a estar. Es un proceso de las dos partes, tanto de quien desea dedicarse a esto como del apoyo familiar”.
“Creo que no hay mejor cosa que buscar la felicidad y si tu felicidad es esa hay que trabajar. Lo más difícil es arrancar, dar el primer paso, una vez que ya caminaste ya está”, concluyó Juan en un mensaje para todos los jóvenes valores que anhelan seguir abriendo preguntas a través del arte.

Comentarios
2 comentarios

Verdelocco Gladys Beatriz ·

Que bueno Juanpi! No porque aparezcas en una nota o una radio! Bueno que hayas vuelto! Abrazo gigante!

Jochi Muñoz ·

Gracias, señor Manrique, por este retrato de Juan Montelpare, un artista que nos interesa, particularmente, por la sutileza con que aborda temas que muchos resolverían de manera directa o panfletaria.
Me tomo la libertad de compartirlo en mi blog.
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Artista Jochi Muñoz participa en la exposición “Kunst und Religión” en la Iglesia St. Michael de Alemania

 

ATMÓSFERA DIGITAL, ALEMANIA.- Como parte de su proyección como una institución dirigida a fomentar el arte y la cultura, la Asociación K41 de la ciudad de Colonia en Alemania, celebra su la muestra titulada “Kunst und Religión”, en la cual participa el artista dominicano Jochi Muñoz junto a otros de distintos países.

En esta ocasión, Muñoz participa con tres vídeos que documentan sus performances “53 Cuentas”, “Dilución” y “Agnus Dei”.

Jochi Muñoz expresa: “Sin dudas, haber recibido la invitación a participar en el evento Kunst & Religión es una deferencia hacia mi trabajo que agradezco y valoro, ya que permite que el mismo sea mostrado en otras latitudes y sometido, por tanto, a otras miradas, a otras consideraciones”.

Margarita Grullón, curadora de la exposición Kunst und Religión, junto al video Dilución de Jochi Muñoz

La curadora de la muestra, Margarita Grullón, delante de la proyección de uno de los videos de Jochi Muñoz

El primer vídeo trata sobre el performance “53 Cuentas”, en el cual Jochi reza el rosario frente a la Catedral Primada de América a la 6:00 de la tarde, hora del ángelus, pero obviando los textos originales, y diciendo, en cambio, la poesía infantil “La muñeca” en el lugar en donde se rezarían los avemarías. Son 53 veces que se dicen estos, por tanto, fue ese número de veces que dijo la poesía. En su acción el artista extrapola lo que dicen los versos a lo que ocurre en nuestra sociedad: la violencia que se pretende no ver; la violencia que se quiere acallar. Que la Iglesia pretende, muchas veces, obviar.

En el performance “Dilución” el artista hace alución a como se van borrando en la vida los recuerdos; como se van olvidando los elementos culturales; como se va perdiendo la identidad; como va languideciendo el amor. A la vez, es un símil de las obsesiones que minan la existencia del ser humano, y de las que muchas veces no se puede -o no se quiere- uno desprender. El artista hizo barquitos de papel, por espacio de dos horas ininterrumpidas, empleando la estampa de Ntra. Sra. de los Dolores La Dolorosa, la Metré Silí del panteón de la religiosidad popular dominicana), y los colocó en el agua contenida en un balde grande. El agua contenía cloro para que la imagen de la Santa se fuera diluyendo poco a poco.

“Agnus Dei” es el performance que se presentó el 1 de octubre de 2011, como parte de las actividades paralelas a la muestra “El Museo del Prado en Santo Domingo”, exhibida en el parque Independencia. Cada artista del performance invitado hizo una relectura de una de las obras pictóricas expuestas, creando otra que tocase la realidad del entorno social actual. Jochi Muñoz eligió la pintura Agnus Dei, de Francisco de Zurbarán. El artista procura llamar la atención sobre la situación del trabajo infantil, que por fuerza de verla diariamente, a muchos les pasa desapercibida. No se repara en todas las incomodidades, sinsabores y peligros a que están expuestos esos niños, al desarrollar su labor en la calle.También, se podría leer la pieza como una petición al Cordero para que las penas del desamparado sean limpiadas, tal y como se pide en la Misa, a favor de los creyentes.

De su lado, la curadora de la muestra, Margarita Grullón, sostiene que “La obra de Jochi Muñoz es una obra comprometida con las realidades del ser humano y su entorno. En esta oportunidad, se exhiben sus trabajos dentro de una iglesia católica, considerada un monumento histórico, con temas que cuestionan incluso a la misma iglesia. Es la primera vez que un artista dominicano expone en este contexto, lo que constituye en un logro y un orgullo para la República Dominicana”.

La exposición “Kunst und Religión” se presenta en la Iglesia St. Michael en la de Colonia, en Alemania.

Publicado en: http://atmosferadigital.blogspot.com/2017/11/artista-jochi-munoz-participa-en-la.html

Dilución. Pieza de jochi Muñoz. P1140779.JPG

kilómetroCERØ tomará la #ZonaColonial en noviembre

Origen: kilómetroCERØ tomará la #ZonaColonial en noviembre

Más de una decena de artistas locales e internacionales participarán en este evento con el título “Rituales de isla”

Santo Domingo.- La disciplina del performance (o arte acción) continúa desarrollándose en nuestro país. En este sentido, nuestra ciudad primada de América volverá a ser la sede del Festival Internacional de Performance “kilómetroCERØ”, con el tema “Rituales de Isla”, los días 16 al 18 de noviembre en distintos espacios de la Zona Colonial.

El coordinador general del evento, Alexei Tellerías, manifestó su emoción por el entusiasmo reinante en la comunidad artística nacional e internacional por esta actividad, en la que también participarán artistas en diferido gracias a acciones videoperformáticas que han enviado para su proyección durante el festival.

“La performance como arte visual contemporánea, todavía genera muchos comentarios, tanto a favor como en contra. Nuestro interés con eventos de este tipo es principalmente darle la oportunidad al público en general de interactuar con propuestas que les permitan identificarse.”, concluye Tellerías.

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“Rituales de isla” como línea guía del festival, plantea un espacio de reflexión sobre las manifestaciones de ser isleño, o sentirse isla, a partir de propuestas que deconstruyen la “isleñidad” con sentido crítico y establecen re-lecturas, empleando las herramientas que permite la disciplina del performance o arte-acción.

Acciones performáticas en vivo y video, conversatorios, muestra de portafolios e intercambios con estudiantes de artes y público en general forman parte de esta plataforma artística, que tendrá como escenarios al Centro Cultural de España, Museo Memorial de la Resistencia Dominicana, Colegio Dominicano de Artistas Plásticos y La Espiral 313, junto con otros espacios al aire libre en la Zona Colonial.

Isil Sol Vil x Marina Barsy Janer

Un total de nueve artistas internacionales vendrán a Santo Domingo para participar en kilómetroCERØ ’17. Annie Lioliou (Grecia), Isil Sol Vil (España) y Esmeralda Pérez González (México) se suman a Marielys Burgos, Renia Fermaint Rosa, Marina Barsy Janer, Milena Pérez Joglar, Helen Ceballos y Kairiana Nuñez, de Puerto Rico.

De República Dominicana, los artistas participantes son Glaem Parls, Gina Goico, Michelle Ricardo, Sole Fermín, Leticia Ceballos, Mabel Manzano, Natacha Batlle y Alexéi Tellerías, sumado a los colectivos POEBEATS y Mo(Ho)3.

El festival incluye una muestra de videoperformance (acciones en video) con la participación de Yoani Aldaya (Cuba), Jessica Fairfax Hirst (Estados Unidos), Ruth Vigueras Bravo (México) y los dominicanos Eliú Almonte y Charo Oquet.

Toda la programación está disponible en la página web elaranazo.wordpress.com y ccesd.org al igual que en las cuentas de instagram y twitter: @elaranazocl.

Dedicado in memoriam al artista puertoplateño Alberto Khoury García, este segundo Festival Internacional de Performance kilómetroCERØ es una producción de El Arañazo, Plataforma Cultural, con el apoyo de Centro Cultural de España, Museo Memorial de la Resistencia Dominicana, Mezcolanza, Plataforma Dominicana de Performance, Palmer Fishman Industries, CARIBI Handmade, Tabuga, Fundación Juan Bosch, Aborigen Vestimenta de Consumo Conceptual, Asterisco Grupo Creativo, La Espiral 313 Centro de la Imagen, Mabel Manzano y La Piña.

Actualidad artística en la República Dominicana. Alternativas de supervivencia y visibilidad.

[El presente texto fue preparado por Myrna Guerrero, para el número especial del 20 aniversario de la revista Recherches en Esthétique (enero de 2015), cuerpo editorial del Centro de investigación para la estética y las artes plásticas (CEREAP), con sede en Martinica. Tengo entendido que el artículo fue traducido al francés, y editado para esa publicación.

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Dado que el texto no es conocido en nuestro país, lo comparto en este blog en su versión íntegra en español.  J. M.]

 

Por Myrna Guerrero

Preámbulo

Efervescente y dispersa, la actualidad artística en la República Dominicana traduce estados particulares de búsqueda de visibilidad para los artistas que han visto reducir las oportunidades en las últimas décadas, con la desaparición de espacios de larga tradición en Santo Domingo, como el Voluntariado de las Casas Reales y sus salones de la Casa de Bastidas, que fueron fundamentales para el arte de los ochenta y los noventa. Así también languidece Casa de Arte en Santiago de los Caballeros, espacio colectivo e incluyente, paradigma de la gestión cultural en la ciudad cibaeña durante las últimas dos décadas el siglo pasado, que mantiene sus puertas abiertas como espacio alternativo con escasos recursos económicos y limitados alcances. Al tiempo que desaparecieron espacios de trayectoria, en los albores del siglo XXI abrió sus puertas en Santiago de los Caballeros el Centro Cultural Eduardo León Jimenes (Centro León) depositario del Concurso de Arte Eduardo León Jimenes que se celebra desde el 1964. Coherente con su propósito de apostar al futuro el Centro León ha convertido el Concurso ELJ en plataforma del arte contemporáneo y, junto al Centro Cultural de España en Santo Domingo constituyen los espacios institucionales más comprometidos con la contemporaneidad, al fomentar diálogos, encuentros y exposiciones de artistas emergentes y de mitad de carrera alternados con presentaciones de artistas de amplia y reconocida trayectoria. Para el 2014 está convocado el XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, evento bienal que, desde el 2010, introdujo cambios sustanciales en la convocatoria que pasó de ser una invitación abierta a un concurso por oposición cuyos participantes, reducidos a un máximo de veinte, son seleccionados tras la evaluación de propuestas que pueden abarcar todas las artes visuales, el vídeo arte y la performance. En tanto, la Bienal Nacional de Artes Visuales, de carácter abierto e inclusivo, ha logrado mantener su regularidad con los consabidos comentarios tanto positivos como negativos que acostumbran suscitar este tipo de certamen. En el 2013 se celebró la Bienal número 27, generadora de encendidas polémicas y cuestionamientos de parte del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos pero con enardecido respaldo de un buen número de artistas y críticos de arte. El comercio del arte funciona con muy bajo perfil en relación al nivel de producción artística local. La Asociación Dominicana de Galerías de Arte, con la entusiasta y experimentada Mildred Canahuate al frente, lucha por mantenerse a flote con intentos esporádicos de celebrar subastas de arte y organizar, desde hace tres años, el proyecto Circuitos de Galerías, el tercer jueves de cada mes en el último cuatrimestre del año, actividad que motivó un gran entusiasmo y dinamismo en el sector. En este contexto unas pocas galerías de arte subsisten (Arawak, Arte Berri, Bodden, Lyle O’Reitzel, Mesa Fine Art, Shanell) al tiempo que se inaugura la galería ASR Contemporáneo, espacio que nace en el 2014 y que apuesta por introducir el arte contemporáneo en el coleccionismo local e internacional, bajo la sombrilla protectora del tradicional centro de enmarcado y comercialización de obras Arte San Ramón.

Espacios locales para la exposición, formación y confrontación

Hoy por hoy la República Dominicana cuenta con un apreciable número de espacios destinados a las artes visuales, algunos bajo la dependencia del Ministerio de Cultura tales como el Museo de Arte Moderno (MAM), la Galería Nacional de Bellas Artes y las salas de exposiciones temporales del Museo de las Casas Reales, el Centro Cultural Centro Cultural Mauricio Báez, Centro Cultural Narcizo González y la sala Ramón Oviedo del propio Ministerio de Cultura, instituciones que mantienen un calendario de exposiciones de muy diversos niveles, excepto en el caso del MAM y la Galería Nacional de Bellas Artes, instituciones que trabajan con altos criterios museológicos y museográficos y que han facilitado la presentación de exposiciones antológicas nacionales y estupendos proyectos expositivos internacionales. El acuerdo interinstitucional del MAM con el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) ha dado sus frutos, no solo en la presentación en Santo Domingo de memorables muestras temáticas con los fondos del IVAM sino también con la exhibición en Valencia de la muestra individual de Jorge Pineda (After all, tomorrow is another day, 2013), así como la incorporación de una pieza de Limber Vilorio (Acorazado, 2009) a la colección permanente de esa institución. La Galería Nacional de Bellas Artes es un espacio privilegiado para grandes exposiciones internacionales coordinadas por las representaciones diplomáticas con sede en Santo Domingo entre las que se destacaron Arte Contemporáneo de Quatar (2011), 50 Años de Signos, retrospectiva del artista colombiano Manuel Hernández (2012), Perspectiva & Interiores fotografías a gran formato de monumentos históricos italianos (2013) y Mandy Volz, una retrospectiva, esculturas, pinturas y dibujos del artista suizo (2014). Otros espacios estatales abiertos a las artes visuales son las salas de exposiciones temporales del Museo de las Telecomunicaciones y el Centro Cultural Banreservas con programas expositivos muy variados en calidad, conceptualización y alcances. El Centro Cultural Perelló, inaugurado en el 2011, ha abierto posibilidades de descentralización de la actividad cultural hacia la región sur del país, el Centro Cultural Cándido Bidó trabaja en Bonao con escuela y museo y la Escuela de Diseño de Altos de Chavón lo hace en la región del este con exitosos programas de formación en diseño de modas, arte e ilustración y diseño de comunicación en su recinto de La Romana. El Museo Bellapart desarrolla importantes proyectos expositivos que abarcan diferentes aspectos del arte moderno dominicano y ha dinamizado la afluencia de públicos con sus programas infantiles, juveniles y para adultos. Las tertulias sabatinas Una obra un artista que se desarrollan con frecuencia mensual han resultado muy exitosas y enriquecedoras para el conocimiento de los artistas dominicanos de la modernidad. La Fundación Global, Casa de Teatro, el Taller Público Silvano Lora, el Laboratorio Evolutivo de Arte Contemporáneo, el Colegio Dominicano de Artistas Plásticos (CODAP) así como el Centro Cultural Mirador y las galerías del Instituto Cultural Domínico-Americano y el Programa APEC Cultural constituyen iniciativas independientes y privadas que aportan espacios alternativos para los creadores dominicanos. Mención especial merece el Centro de la Imagen, una plataforma dedicada al estudio, promoción y apreciación de la fotografía con amplio programa de actividades expositivas y formativas y que, desde el 2006, promueve el festival de la fotografía Photoimagen, donde la fotografía toma los espacios expositivos regulares y alternativos durante todo el mes de septiembre, Photoimagen tuvo carácter anual entre 2006-2008 y a partir del 2010 es bienal.

Plataformas para la proyección internacional

Lyle O’Reitzel ha sido la única iniciativa comercial que ha logrado mantener sus niveles de calidad y presencia con estabilidad, no solo en Santo Domingo sino también en Miami, LOR Contemporáneo apuesta por artistas emergentes (Hulda Guzmán, Gerard Ellis, Alina Landry), junto a otros a mitad de carrera (Inés Tolentino, Limber Vilorio, Scherezade García) y algunos ya de cierto reconocimiento internacional como José García Cordero, José Bedia, Edouard Duval-Carrié y Luis Cruz Azaceta, con propuestas novedosas y cuestionadoras. Por su parte, la Escuela de Diseño de Altos de Chavón se ha constituido en un puente para que jóvenes talentos dominicanos del diseño continúen su formación en la prestigiosa Nueva Escuela de Diseño Parsons de Nueva York y muchos han logrado insertarse en el mercado laboral estadounidense. Oferta diferenciada orientada a la cerámica es la Trienal Mundial de Tile Cerámico (Elit-Tile) proyecto internacional que lleva a cabo la Fundación Igneri Arte y Arqueología desde el 1999 y su extraordinario director, el multifacético artista Thimo Pimentel, con gran respaldo de participantes y públicos en general.

Uno de los proyectos más importantes para la proyección internacional del arte dominicano lo constituye la Iniciativa Davidoff para las Artes. Asociada a Art Basel desde 2012 (Basel, Miami Beach y Hong Kong) el programa Dadivoff propone auspicios para la producción de arte contemporáneo y, al mismo tiempo, devolver a la República Dominicana algo de lo aportado a la empresa tabaquera en sus muchos años de labores en suelo dominicano. Con esta iniciativa, Davidoff espera abrir espacios de visibilidad y oportunidades a talentos dominicanos y caribeños de las artes y establecer canales de comunicación interinstitucional entre instancias del Caribe y el resto del globo. Las propuestas se inscriben en cuatro categorías: Davidoff Art Residency, Davidoff Art Dialogues, Davidoff Art Grants, and Davidoff Art Editions. El programa de residencias se dirige a artistas emergentes y a mitad de carrera del Caribe, con énfasis en artistas dominicanos. Ofrece la oportunidad de pasar una larga estadía para trabajar en un contexto diferente al acostumbrado. En su primera versión, el programa de residencias benefició a Mónica Ferreras de la Maza (International Studio and Curatorial Program, Brooklyn, NY, septiembrenoviembre 2013), Jorge Pineda (Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Abril-junio 2014), Pascal Meccariello (Red Gate Gallery Residency, Beijing, mayo-junio 2014). La iniciativa Davidoff constituye la principal propuesta institucional de proyección internacional al servicio de los artistas dominicanos.

Colectivos e individualidades

Dos de los artistas beneficiados por la Iniciativa Davidoff (Pineda y Meccariello) forman parte del colectivo Quintapata, junto a Belkis Ramírez y Raquel Paiewonsky. Este grupo fue creado en el 2008 por cinco artistas de amplio reconocimiento nacional con el propósito de promover estrategias colectivas para potencializar la visibilidad del arte dominicano local e internacionalmente. Además de los mencionados estaba en el grupo original Tony Capellán, quien se separó rápidamente del colectivo. Su carta de presentación fue el proyecto expositivo Mover la Roca (2009) que también se exhibió en Lima, Buenos Aires, Miami y México y que les valió invitaciones para las bienales del Fin del mundo (Ushuaia, Argentina), La Habana y Venecia, donde el grupo se arriesgó en la elaboración de obras colectivas. En el mismo año Quintapata realizó Reflejos (2009), convocatoria de arte público en el que integraron a otros artistas, niños y jóvenes, para realizar murales de tiza el piso de la Plaza Billini de la Zona Colonial. Para la Bienal del Fin del Mundo Quintapata elaboró el trabajo Reservas Oro (2011), preámbulo a El pensamiento de Ushuaia (2011) y para la Bienal de La Habana concibió ADN (2012), pieza también presentada en la Bienal de Venecia (2013) y que hoy forma parte de la Colección Daros de Arte latinoamericano. En ambas obras y utilizando recursos que van desde la ilustración hasta el vídeo arte, el colectivo propone reflexiones en torno a prácticas cotidianas como intercambiar dinero y mascar chicle y las posibilidades del arte de nuestros días para llamar a atención ante múltiples estímulos individuales y colectivos. En febrero del presente año Quintapata convocó a la Operación espejos (2014), acción ejecutada en la tradicional calle El Conde, eje comercial de la Ciudad Colonial de Santo Domingo. En ella propuso aprovechar el reflejo en espejos de edificios emblemáticos y con una gran carga histórica pero hoy en franco deterioro y abandono. Se trató de una reflexión en torno al patrimonio monumental, la fragilidad institucional y la necesidad de generar respuestas colectivas para la salvaguarda de nuestro patrimonio cultural.

Quintapata desarrolla proyectos colectivos pero también mantienen sus miembros una actividad paralela en solitario con la presentación de muestras individuales donde profundizan sus lenguajes particulares con altas dosis de dominio en la conceptualización y ejecución de las obras para mantenerse como figuras clave del arte contemporáneo dominicano. El Centro Cultural de España y el Museo de Arte Moderno han sido los espacios receptores de estas propuestas: Impropia de Raquel Paiewonsky, Centro Cultural de España (CCE) Mayo-Junio 2012; Invisible de Pascal Meccariello, CCE, Nov.-dic. 2013 ; Hasta que me guste de Belkis Ramírez, CCE, marzo-abril 2014; After all, tomorrow is another day de Jorge Pineda, Museo de Arte Moderno, Marzo-mayo 2014. En torno a su propuesta Invisible escribió el propio Pascal Meccariello lo siguiente:

“Las instalaciones que se presentan en esta exposición, proponen una vía diferente para acceder a la obra de arte, son piezas interactivas que pretenden conectar distintos tipos de espectadores, a través de dos vías de percepción; la visual y la táctil. Es un cuestionamiento sutil, al criterio de visualidad conferido a gran parte de la producción artística y se complementa con la utilización del sistema de escritura Braille, en los contenidos y elementos que componen la estructura conceptual de la muestra. Ampliando así el rango de apreciación del arte, haciéndolo accesible a las personas no videntes, por medio del tacto y comprometiendo en mayor medida a las personas videntes, a quienes se les presenta de forma casi imperceptible la carga esencial de las piezas, asistiendo ambos grupos de público, a una experiencia de reconocimiento e interpretación de su contexto individual, en función del entorno colectivo”Pascal Meccariello (Catálogo de actividades del Centro Cultural de España Nov. – Dic. 2013)

También, Tony Capellán, figura emblemática que emerge en los años ochenta presentó los resultados de sus últimas pesquisas en la individual Flotando (CCE, Enero 2013), muestra que recibió nominación como Exposición Individual en Museos y Centros Culturales 2013 por la Asociación Dominicana de Críticos de Arte (ADCA/AICA) y donde el artista reafirma su compromiso con el arte povera, el reciclado y la estética contemporánea al tiempo que da paso a novedosas propuestas en torno al mar, la pobreza y el medio ambiente, con altas dosis de humor e ironía en instalaciones sorprendentes y cautivadoras.

“Las obras desplegadas ante ustedes pertenecen a un grupo de instalaciones realizadas en los últimos dos años en el taller que he ocupado por más de veinte, en una azotea ubicada frente al Parque Independencia. Flotando, el título de esta muestra, es también la manera en que los materiales de los que están hechas las obras llegan hasta la orilla, tras un viaje que los ha arrastrado por cañadas y vertientes hasta llegar al río Ozama desde donde lentamente son vertidos en el Mar Caribe, que los deposita a su vez en las playas de la ciudad. Así es como estos materiales llegan a mis manos en interminables recogidas y se convierten en componentes esenciales de la visión del mundo que está contenida en cada una de las obras y en su estética. Es un material cargado de historias entrelazadas que ofrece un enfoque inesperado y es, también, parte de las vidas que perdieron, sin querer, algunos de estos objetos cuando las aguas entraron vertiginosamente en sus precarias casas arrasándolo todo”. Tony Capellán en brochure de actividades del Centro Cultural de España, Enero-febrero 2013.

Otra individualidad que se destaca en el panorama dominicano es América Olivo. Olivo trabaja la pintura pero también la escultura y la instalación. Sus búsquedas giran en torno a la milenaria cuestión sobre la dualidad entre cuerpo y alma, carne y espíritu, sobre lo material y la búsqueda de lo trascendental. El deterioro y la esencia, el envejecimiento de la piel –lo exterior- y la trascendencia del espíritu – lo inmanente- son temas que aborda con diversos medios y lenguajes, hasta hacer de telas intervenidas el soporte ideal para su expresión escultórica al lograr con telas retorcidas planos muy sugerentes y superiores a una pintura de abstracción lírica cuyo conjunto presentó en la exposición Skin Deep (Santo Domingo 2013), y que le valió reconocimiento de parte de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte (AICA/ADCA).

Patricia Castillo (Patutus) es una personalidad que se ha formado entre el anonimato y la participación en colectivas importantes donde generalmente es reconocida su obra. Castillo forma parte del grupo de artistas que emergen en la esfera nacional con el inicio del nuevo milenio Sanidad (2001) y desde entonces ha mantenido una presencia destacada con un discurso enfocado en lo cotidiano (uñas de mujer, medicamentos, agua envasada en bolsas de plástico), la memoria, la fragilidad (hilos de algodón) y el equilibrio (formas geométricas en madera). Destacada su participación en las colectivas Agua (Santo Domingo, 2009 y Guayaquil, 2010), así como en la itinerante Landings (2-5), proyecto expositivo curado y gestionado por Joan Durán desde Belice, presentado en Santo Domingo (2003), Santiago de los Caballeros (2006), San José de Costa Rica (2007) y Washington (2008), entre otros lugares. Seleccionada para participar en concursos y bienales, el trabajo de Castillo en la 27 Bienal Nacional de Artes Visuales (Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, 2013) obtuvo uno de los premios igualitarios que ofrece esta convocatoria. Se trata de una hermosa pieza elaborada con hilos de algodón que propone un acercamiento a la forma, lo tangible y lo intangible, el movimiento y el sonido con una propuesta filosófica y emotiva. Estas preocupaciones las había formulado Castillo en su individual ¿A dónde voy? (Santo Domingo, 2011) y continúa su profundización en la exposición personal que presentó en el Centro Cultural de España (Equilibrio elemental, 2014).

“… Patricia Castillo (Patutus), por su instalación, “Vibraciones bajas”. La instalación de hilos en los dos espacios contiguos de esta artista ha sido vista por el jurado como una muy inteligente aportación in-situ a una forma de escultura que recupera los materiales simples para pensar. Hilos que forman líneas, líneas que dibujan una curva que la artista relaciona con sonido-frecuencia. De hecho con lo inaudible, con un sonido que esta, pero no podemos percibir del mismo modo que, la forma, está también presente en aquellos materiales que, no siendo rígidos, parecen no poseerla…” (Laudo del Jurado 27 Bienal Nacional de Artes Visuales, Santo Domingo, 2013).

Leíno Cabral ha resultado una de las sorpresas más agradables del mundo artístico-visual dominicano reciente. Artista muy poco dado a las exhibiciones, se registra en 1994 una individual suya donde mostró sus experimentaciones con la esculto-pintura, composiciones con gran riqueza textural que procede del uso de alambres y materiales ensamblados y soldados. Desde entonces sus apariciones han sido esporádicas con presencia en algunos concursos y bienales. La participación de Leíno Cabral en la exposición colectiva Desde la Infancia (APEC, Santo Domingo, 2014), junto a Juan Carlos Mieses y Freddie Cabral desveló un apreciable conjunto de obras donde se manifiesta la madurez de este artista, gran intuitivo, que comparte jalones creativos matizados por la espontaneidad, el humor y la sinceridad que se funden en obras bidimensionales de gran carga matérica y contenidos que dialogan desde una visión lejana hasta las descodificaciones de la aglomeración, la marginalización y la informática.

Frente a un Leíno Cabral intimista e introvertido se presenta su hermano, el escultor Freddie Cabral, con una carrera de varias décadas transitando entre París, Nueva York y Santo Domingo. Artista versátil, que se expresa en diversos medios – terracota, piedra, metal y madera – se convirtió en el líder de la recién creada Unión de Escultores Dominicanos y gestionó el proyecto expositivo El madero. Tradición de la escultura dominicana (APEC, Santo Domingo, 2013) que congregó a 31 escultores. Al mismo tiempo de mantener el liderazgo entre los escultores dominicanos, Freddie Cabral mantiene su producción particular y presentó Mutaciones metálicas luminosas al aire libre (Centro Cultural Mirador, mayo 2014), conjunto escultórico de grandes formatos, en metal soldado y fundido, donde el artista comparte su filosofía en torno al cosmos, la vida y el ser, al tiempo que muestra todo su potencial para la escultura monumental y los dominios conceptuales y técnicos que posee.

Iris Pérez es una artista de gran solidez y presencia en el escenario visual dominicano de las últimas décadas, dibujante, ceramista, profesora de arte y performer. En el 2009 fue Cofundadora del Laboratorio Evolutivo de Arte Contemporáneo, espacio múltiple para exposiciones, encuentros de artes visuales, música y literatura. Desde el 2000 participa en la muestra Women of the world, con una ruta itinerante en diferentes museos, galerías y centros culturales del mundo. Inquieta y protagonista en múltiples escenarios Iris Pérez se ha dedicado en los últimos tiempos a la producción cerámica y entre el 2011 al 2014 ha estado involucrada en la realización del monumento escultórico Luz del Mundo, en el Santo Cerro, lugar de peregrinación católica dominicana localizado en la provincia de La Vega. En el presente año su políptico Grooming fue seleccionado para integrarse al proyecto expositivo itinerante Global Village (Mayo-septiembre 2014) que se presenta en Holanda, Dinamarca y Alemania. En este trabajo la artista aborda el controversial tema del abuso infantil a través de medios digitales una realidad dramática y devastadora que está afectando el desarrollo sano de niños y niñas sin que los padres tengan conocimiento de la situación. Junto a su obra cerámica y gráfica Iris Pérez se inscribe en la performance. Su trabajo más reciente es el titulado Luz del alma, que presentó en Santo Domingo y Miami (21/06/14). Iris Pérez se refiere a este trabajo con las siguientes palabras:

Luz del alma refiere el caso de la ingeniera Francina Hungria y las dos veces que fue violentada; primero por la delincuencia que nos ha arropado en el país, la segunda por el poder judicial al dejar en libertad a los que la dejaron ciega. Francina nos representa a todos. Luz del alma es una obra en ascendente, donde se crea la historia de Francina desde antes de su nacimiento hasta que vive los hechos que la cegaron. A pesar de la oscuridad ella tiene que sacar su luz y comenzar a ver con otros ojos. Allí nace Luz del alma”. (Testimonio suministrado directamente por la artista a la autora de este texto, junio 2014).

Dos seleccionados para el emblemático Concurso de Arte Eduardo León Jimenes

“Artistas que nos proporcionan pautas para visualizar sistemas que organizan el tiempo y el espacio, sirviendo a la vez como posibles nexos con la escena artística nacional del pasado cercano: Jochi Muñoz y Mónica Ferreras”. (Extracto del Laudo del Jurado de Selección XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. Marzo 2014).

Mónica Ferreras de la Maza fue beneficiaria de la Davidoff Art Residency y seleccionada para el concurso de arte Eduardo León Jimenes en su versión 2014. Identificada con los orígenes, lo propio, el mundo interior particular, eso que nos hace únicos y diferentes, esta artista en búsqueda permanente fusiona espiritualidades orientales y occidentales en totems, mandalas y efluvios vitales. Mónica Ferreras emerge en el panorama artístico dominicano en los años noventa, con una sólida formación y presencia en los medios artísticos dominicanos y, en su producción más reciente, se expresa en la pintura, un poco a manera de reivindicación de un lenguaje tenido a menos. Ella investiga el color y su relación-incidencia en los chackras, la teoría del caos y la sabiduría del fluir como danza del universo. En el 2010 obtuvo uno de los premios en el XXIII Concurso Eduardo León Jimenes con su pieza Mirándote espero a que me lleves II (2010) políptico de 109 piezas en acuarela, tinta y el lápiz de color sobre papel donde la artista utilizó recursos tradicionales del dibujo para expresar poéticas relacionadas con los movimientos migratorios y las sensaciones de desprendimiento, pérdida y sustracción geográfica.

Jochi Muñoz es un destacado artista del performance dominicano medio al que llega a través de las artes escénicas y la danza, recursos que logra desligar en sus performances donde el tiempo, la interioridad y el no movimiento constituyen elementos fundamentales de su discurso conceptual.

“Parto de que el arte existe para comunicar una verdad. Mas, ese «comunicar una verdad» no sigue los parámetros objetivos del reportaje periodístico, sino que los elementos involucrados han de pasar por el tamiz, eminentemente subjetivo, del proceso del hacedor de arte. Parto de mi cotidianidad de la cual tomo un hecho cualquiera, el que descontextualizo, fragmento, sobrevaloro en parte, desestimo en otra, recompongo, para, finalmente, ofrecer mi versión personal del mismo. El resultado es una obra estructurada de modo que no se quede como mera regurgitación de lo personal sino de forma que el espectador tenga varias opciones de lectura. Lo que espero es que se marche a su casa con el gusanillo de la interrogante, y que, eventualmente, pueda extrapolar lo planteado en la obra, a planos alejados de lo meramente personal del artista…” (Testimonio suministrado por el artista a la autora de este texto en junio 2014).

Las participaciones de Jochi Muñoz en eventos performáticos en Santo Domingo y Miami así como los reconocimientos logrados le han convertido en figura capital del performance dominicano. En su propuesta 8 horas (2012) aborda el concepto del tiempo y lo efímero de la existencia. En 365 (2012) reflexiona en torno al rol de la mujer en nuestra sociedad con una manzana y 365 agujas. En Sutil (2013 y 2014), el artista el artista reflexiona sobre los condicionamientos sociales al intercambiar 59 veces (número de años de su edad) la pieza superior de su vestimenta. Ambas eran iguales, excepto porque el lado de la colocación de los botones variaba, según fuera lo estipulado para una prenda masculina o para una prenda femenina. Para Un hilo entre los dos (2014) Muñoz vuelca la mirada hacia el tránsito-vida del ser humano en esta tierra a través de un camino elaborado con mantelitos individuales de familiares y amigos. Así, el camino resultante sería un camino cargado de placeres, penas, alegrías, llantos, tristezas, logros, sueños, esperanzas, melancolías… de cada comensal que lo empleó. Meditaciones en torno a las uniones y las costuras invisibles que atan a los seres vivientes dieron la pauta al título de la pieza.

Encuentros performáticos

Charo Oquet, una de las artistas de la diáspora dominicana con mayor presencia en el país, obtuvo el Gran Premio de la 26 Bienal de Artes Visuales con su instalación En un abrir y cerrar de ojos (2011), trabajo que se inscribe en su serie Caos y conclusión donde la artista asume cuestionamientos y reflexiones en torno a la sociedad global contemporánea, sus angustias existenciales en el orden económico, social, cultural, espiritual y migratorio. Establecida en Miami, desarrolla desde hace varios años el Festival Internacional Performance INDEX (Índice) y el Miami Performance Internacional Festival con participantes de República Dominicana, Miami y Puerto Rico. Para el 2014 presentó la propuesta Arte de incertidumbre (Abril 10-11, 2014). Participaron los artistas +RoN, Lina Aybar, Jenna Balfe, Pip Brant, Anny Concepción, Cubo, Sebastian Duncan-Portuondo, Sole Fermín, Liz Ferrer, Carla Forte, Jessica Hirst, Eliu Almonte, Sayuri Guzmán, Karlo Ibarra, Brookhard Jounquil, Marilyn Loddi, Alberto Khoury, Mo(ho)³, Jochi Muñoz, entre otros. Es una propuesta curatorial de carácter experimental que incluye intervenciones efímeras, instalaciones, talleres, performances, proyección de vídeos, arte sonoro, multimedia, happenings y otras expresiones de las nuevas prácticas contemporáneas. Arte de incertidumbre aborda, desde diversas ópticas, las realidades que inciden en el desarrollo de la producción artística y la gestión cultural en el Caribe de hoy.

Estrategias de supervivencia

Además de las ofertas mencionadas y, ante las trabas de algunas instituciones que hacen difícil el acceso a plazas expositivas surgió el proyecto Hello Krisis, bajo la curaduría de Clara Caminero, de Arte estudio, propuesta alternativa que ha organizado festivales de performances y proyectos expositivos con artistas emergentes. En la propuesta Hello Krisis tres artistas decidieron utilizar sus propias viviendas para la exhibición de sus trabajos más recientes, con el propósito de “…llamar la atención de una problemática que se ve agudizada en los años dos mil, en donde los artistas emergentes y los no tan emergentes también, se enfrentan a la acrecentada dificultad no solo ya de vender su obra, sino también de exponerla y proyectarla…” (Hoja-catálogo, mayo 2014). Consistió en presentar tres exposiciones individuales simultáneas en las viviendas de los artistas: Puerta adentro de Lina Aybar, mejor conocida como performer, que presentó al público su fase de pintora. Íntimo de Evelyn Lima, con un conjunto de dibujos en acuarela y grafismos en carboncillo donde la artista infiere vida a los objetos cotidianos de su hábitat. Sub-control de José Ramia Guzmán, propuesta pictórica que conjugó una aproximación a la condición humana con la utilización de elementos que proceden de la cultura de los vídeo juegos. Luego de la noche inaugural, durante un mes, los artistas recibieron al público todos los domingos en la tarde propiciando espacios para compartir experiencias y dialogar en torno a la práctica artística.

Con el mismo propósito de favorecer espacios coloquiales en torno al arte y los artistas se desarrolla desde hace dos años la Tertulia de Clara Herrera, espacio íntimo y privado que convoca una vez al mes a un público reducido aunque constante que comparte con artistas invitados en torno a su quehacer y proyección. Maestros de la plástica dominicana y artistas de mitad de carrera han estado compartiendo anécdotas y proyectos en la ya asentada tertulia de Clara Herrera.

Como estrategias de supervivencia tendríamos que mencionar también a los artistas de la diáspora, hombres y mujeres que por múltiples motivos económicos y familiares se encuentran residiendo allende los mares y luchan por crear espacios de visibilidad para su trabajo desde otras latitudes y logran mantener presencia en eventos locales. En estas condiciones trabajan Inés Tolentino (París), Yolanda Naranjo (Atenas), Miguelina Rivera (Marsella), Luz Severino (Martinica), Scherezade García ( NY) y Nicolás Dumit Estévez (NY).

Al iniciar este texto definíamos la actividad artística dominicana en tanto que efervescente y dispersa. En estos momentos y de cara al siglo XXI es necesaria una adecuación de esfuerzos e iniciativas que potencialicen espacios internacionales para el arte dominicano, tradicionalmente encerrado dentro de sus costas. Nuestro arte debe abrirse al mundo.

CONVOCATORIA II FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTE ACCIÓN “KILOMETRO CERØ” 2017

CONVOCATORIA II FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTE ACCIÓN
“KILOMETRO CERØ” 2017

“Nunca podría pisar tierra firme/porque me inhibe” – Pablo Milanés.

El Arañazo Plataforma Cultural, convoca a la comunidad dominicana e internacional de artistas visuales a la segunda edición de su Festival Internacional de Arte Acción “kilómetroCERØ” (kmØfest) a celebrarse en Santo Domingo, República Dominicana, entre los días 16 a  18 de noviembre de 2017 bajo el concepto “Rituales de Isla”.

“Isla: Porción de tierra rodeada de agua por todas partes”. A-isla-miento: La separación (voluntaria o no) de un individuo y su contacto con otros. ¿Es cierto que la condicion de Insularidad es una condena inalienable? ¿Es posible vivir la insularidad sin la culpa de la separación de “tierra firme”? ¿Existe culpa en el ser isleño por no poder entenderse en los mismos idiomas con la “tierra firme”? ¿Cuales son las nuevas islas que navegan a la deriva por aguas desconocidas?

Entendemos que la disciplina del arte acción y sus distintas prácticas (performance, arte objeto, performance instalación, fotoperformance, videoperformance) tienen mucho que decir al respecto. Entendemos también que una forma de enfrentar la idea, de la torre de babel que provoca la insularidad,  es generando intercambios entre artistas con distintos códigos, lenguajes y métodos de aproximación al arte.

“Rituales de isla” pretende explorar esas múltiples formas en que la cotidianidad se expresa mediante el arte a través de acciones que manifiestan el ser isleño, isla o sentirse isla, deconstruyéndolas con sentido crítico y estableciendo re-lecturas a partir de esta línea de acción.

Convocamos a artistas dominicanos y extranjeros a presentar propuestas de arte acción e intervenciones en espacios, abiertos y cerrados, que permitan establecer desde los distintos ejes de acometida las multiples circunstancias de ser isla en este tiempo de constante cambio, donde lo efímero es moneda de cambio y la posmodernidad es una definición que no termina de hallarse a sí misma.

Estas serán recibidas se recibirán  hasta el 20 de agosto de 2017 a las 23:59 hora dominicana (GMT -4:00) al correo electrónico elaranazo@gmail.com.

Adjunto con la propuesta deberá incluirse una biografía breve del artista (no más de dos párrafos) y cuatro imágenes de acciones anteriores.

Las propuestas locales seleccionadas recibirán apoyo logístico y aporte financiero en función de las posibilidades. Cuatro de las propuestas internacionales seleccionadas tendrán apoyo de hospedaje, alimentación y transporte una vez en territorio dominicano.

El Arañazo es una organización sin fines de lucro, establecida en Santo Domingo, República Dominicana, enfocada en la gestión cultural con especialización en eventos relacionados con literatura, artes visuales y audiovisuales. Su filosofía es crear cada vez más espacios de diálogo e interacción entre los artistas y un público cada vez más ávido de nuevas formas de acceso a contenidos culturales contemporáneos, fieles al mantra “la cultura ni es ni tiene por qué ser aburrida”.

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Fuente: https://elaranazo.wordpress.com/2017/06/23/convocatoria-kilometrocero17/

Carta abierta de Pablo Helguera a Avelina Lésper

Carta abierta de Pablo Helguera a Avelina Lésper

El artista mexicano le escribió esta suerte de “carta de amor” a la polemista, famosa por sus duras críticas al arte contemporáneo.

2017/06/14

POR PABLO HELGUERA

                                            Dios quiera que se nos recuerde con tristeza, pero sin odio.

Carlota de Habsburgo

Querida Avelina,

No nos conocemos, pero te voy a escribir de tú porque creo que así lo haría si nos viéramos en persona. No me dirijo a tí sin cierta trepidación: sé que el sólo acto de que te escriba una carta  pública le parecerá a muchos una especie de acto amoroso o de elevación infundada, y calculo que muchos de éstos me retirarán la palabra para siempre. Por otra parte, dado que vivo fuera de México, eso para muchos significa que no tengo idea de lo que está ocurriendo en los debates locales y que por ende no debería tener vela en el entierro. Pero he decidido arriesgarme a recibir tales críticas porque ya no aguanto las ganas de escribirte.

He seguido con enorme fascinación tus declaraciones de “hartismo” sobre la falsedad del mundo del arte, sobre el complot que se ha venido gestando por Duchamp & Co. estos  últimos 100 años para tomarle el pelo a la gente con el arte que denominas “contemporáneo VIP”.  De cómo México es víctima de la imposición colonial de Art Basel y Charles Saatchi y cómo todos hemos capitulado ante un mercado del arte cada vez más frívolo y dedicado a enaltecer el ego de coleccionistas ricos e  ignorantes.   Confieso por otra parte que me ha fascinado aún más la reacción de muchos de mis colegas, amigos, etc. quienes han respondido a tus múltiples ataques con desprecio, insultos y sobretodo con indiferencia. Creo por ello que es hora de analizar lo que está pasando.

En México la educación artística – tanto del artista como del público— ha estado en bancarrota desde hace décadas.  Este es un hecho del que todos tenemos que hacernos responsables:  no se puede esperar que los artistas estén a cargo de educar a todo un país, ni el público debería de pretender que el arte es algo que se aprende como si se inhalara una espora, sin hacer el menor esfuerzo intelectual.  Pero haciendo a un lado a este trágico hecho,  como parte de esta bancarrota se da el fenómeno que la razón por la que ocurren ciertas cosas en el arte hoy en día se interpretan no de forma racional o crítica sino como si fuera un debate entre teologías.

La confusión que existe en relación a las ideas del arte conceptual/procesual ha ocasionado, en parte, que ciertos artistas y críticos reviertan a los valores estéticos familiares, que se remiten más o menos al salón de la academia francesa de 1863. Como bien sabrás, los artistas rechazados por el salón ese año formaron el salón des refusés que dio origen, a su vez, al modernismo. Ahí comienza la tradición, me parece, que tanto aborreces, aquel virus tipo ébola que viajó desde Manet a Duchamp, culminando en Broodthaers y luego Warhol, Beuys, y, ya en total decadencia, gente como Damien Hirst — cuya obra no me interesa, pero que a la vez sé que no es representativo en absoluto de las ideas y los intereses que tiene mi generación artística, ni dentro ni fuera de México. Desafortunadamente, el arte que se ve desde fuera y sin conocimiento de causa es el arte de mercado, y me temo que aquellos como tú que tratan de explicar el arte contemporáneo  a través de este están básicamente tratando de entender la biología marina a través de la industria de cruceros. Pero ya llegará el día en que esto cambie y podamos trascender el sensacionalismo y penetrar las capas de glamour y estupidez que nos impiden entender lo que verdaderamente está aconteciendo en este momento, y que considero de gran relevancia.

Pero lo que hay que analizar son las repercusiones del hecho concreto de que el arte moderno fue desplazando institucionalmente al arte académico. Esto como sabemos, fue ocurriendo al irse presentando los pequeños episodios de la modernidad—las revoluciones, guerras mundiales, el holocausto, aquellos eventos que hacen que un artista quiera hacer arte de su momento para entender su presente, en vez de autoexiliarse a hacer arte de siglos anteriores.

Mientras tanto, al darse este inconveniente desplazamiento, los artistas en todo el mundo (no sólo en México) que se suscriben a la estética de 1863 formularon una lógica  de teoría conspiratoria acerca de su exclusión en museos, concluyendo que aquellos que “no saben dibujar” no podían permitir que los artistas con entrenamiento académico tomaran su lugar.

Te confieso que mi entrenamiento originalmente fue académico (sí sé dibujar) y que a mí me fascinan los artistas académicos como a tí (aunque sospecho que por diferentes razones). De hecho hace unos cuatro años hice un proyecto que consistió en mostrar un salón realista, sin ironía, entrevistando a pintores que se identifican con el realismo académico. Muchos de estos artistas están conscientes de lo que hoy es el arte, pero escogen en cambio entablar un diálogo con Velázquez. Su resentimiento con el mundo del arte es profundo y álgido.  Aspiran, en el mejor de los casos, a ser rebeldes reaccionarios como lo fueron en su momento Andrew Wyeth y Edward Hopper,  artistas a quienes Clement Greenberg mismo los consideró artistas kitsch.  Esta definición que en general se aplica como un insulto,  ha sido aceptada como un cargo honorable por uno de los líderes de la pintura académica. Este líder, un artista que seguramente amas, o si no deberías de amar, es  Odd Nerdrum, quien ha declarado que el kitsch es la nueva vanguardia. En una especie de manifiesto en su página web, Nerdrum declara:

Te saludo, artista talentoso que quieres conseguir la sinceridad en tu obra. Eres un extranjero de tu tiempo, pero ¡no te desanimes! Sé que el arte te incomoda; te has vuelto un esclavo bajo una aristocracia de incompetentes. El arte nunca fue algo para alguien como tú. El arte tiene su justificación—el artista sin talento necesita comodidad, pero también la necesitas tú.  Has estado apenado por tu condición por demasiado tiempo.  Mientras el artesano sólo aspire a la derrota, se habrá hecho una gran injusticia. Toma esto en cuenta: sin tí como el que garantiza su yugo, la incompetencia del arte no vale nada. El dinero y el honor de esos artistas te pertenece, de manera que ¡tómalo! Pon fin a la humillación, salva al arte de su caída a la devaluación total. El siglo 19 fue el crepúsculo del talento; toma parte en su amanecer. A través del Kitsch el artista talentoso se puede salvar. Es una nueva disciplina en la que el talento puede encontrar una superestructura; una superestructura que le sirve al genio de la habilidad. No permitas que el arte retenga su autoridad moral sobre la habilidad.

Es tentador el considerar la propuesta de Nerdrum. Lo que necesitaríamos en ese caso realmente es un museo de arte kitsch, a donde se podrían exponer todos aquellos artistas que se quejan de no recibir exposiciones en el MUAC, Jumex, en el Tamayo.  En realidad eso ocurre ya en otros países, que tienen sus sistemas de academia, sus galerías y museos que apoyan al arte pre-salon de 1863. Creo que el museo Soumaya, por ejemplo, podría ser una sede adecuada para este proyecto.

Quizá de paso sería bueno recordar que 1863, el año en que los franceses echaron a sus compatriotas Courbet, Manet y Pissarro del salón, fue también el año en el que tomaron posesión de la capital mexicana, comenzando nuestro breve y fallido segundo imperio. Con Maximiliano nos llegó por supuesto de lleno la estética de salón académico, la que tanto anhelan nostálgicamente algunos.  Quizá si Juárez nunca hubiese restaurado la república México seguiría siendo hoy parte de Francia, todos estaríamos pintando hoy como Santiago Rebull, y el Franz Mayer sería nuestro museo de arte contemporáneo.

Ahora bien, en cuanto a la teoría conspiratoria del colonialismo VIP del mundo del arte contemporáneo: obviamente las estéticas locales figurativas que uno encuentra en cada esquina (¿podríamos llamarlas estéticas VIPS?) no son sino una derivación de esas escuelas europeas decimonónicas. Supongo que la única manera en que realmente nos podríamos jactar de ser autóctonos y nacionales sería si mantuviéramos la tradición de hacer cabezas olmecas. No soy partidario particularmente de hacer obra  que dialogue con James Turrell, quien te parece ya anciano a los 70, pero también confieso que considero relevante que al menos siga vivo y produciendo obra nueva, mientras que Velázquez  murió hace cuatro siglos y encuentro el vestir la ropa de su época un poco incómoda y a él definitivamente más anciano a sus 415 años.

El problema que tenemos, y del cual de nuevo somos todos culpables, es que el público activamente involucrado en compenetrarse con el arte en México es más pequeño, apuesto, que los aficionados al bádminton en la colonia Narvarte (por decir algo). Sinceramente me indigna pensar que exista la impresión generalizada que el arte contemporáneo no comunica nada relevante.

El proceso de educar al público acerca de lo que verdaderamente significan conceptos como apropiación, arte procesual, o arte de interacción social creo que será una tarea equivalente a la evangelización durante la colonia, que tomará tantos años que cuando hayamos todos asimilado el siglo XX será ya el siglo XXII y el arte ya será entonces otra cosa.  Dudo mucho que ocurra en el transcurso de nuestras vidas, pero yo estoy determinado a morir intentándolo.  De momento quisiera invitarte cordialmente al siglo veintiuno, un siglo que a pesar de las enormes tragedias que vive, es a fin de cuentas el nuestro, donde el arte es contradictorio y complejo, donde hay buenos y malos artistas, donde coexiste lo conceptual y lo figurativo pero en un marco de consciencia crítica, de debate y en conexión con todo lo que acontece actualmente en el mundo, donde hay que invertir tiempo y esfuerzo en escuchar la sutileza de los cientos de voces que están emergiendo por encima del ruido sensacionalista del mercado, donde no todo es relevante o rescatable,  pero que es al menos un lugar en el que todos al menos estamos comprometidos a dialogar con el presente.

Saludos de

Pablo Helguera

 

 

 

 

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